책, 테리 이글턴 Terry Eagleton, 『문화란 무엇인가 Culture』

책의 원제 Culture ; 독일의 Kultur라는 용어를 일본이 수입하면서 "문화"로 번안한 것으로 알고 있다. 언어적으로 Culture : cultivate, 경작하다라는 어원도 있고, cult 라는 종교적 의미도 있다. 일본에서는 중국의 "文治敎化"(글로 다스리고 가르쳐서 변화시킨다)라는 말로 부터 '문화'라는 단어를 조어했다는 글을 본적이 있다. 대체적으로 그 의미는 유사하다고 볼 수 있다.  

단어나 개념이라는 것이 단일 어원이나 의미만을 가지고 있는 것이 아니라, 시간이 지나면서 그 의미가 확장되고 또 변용되면서 시대성/역사성을 띄고 정치적/이데올로기적 특성이 가미되기도 한다. "문화"라는 개념을 둘러싼 근현대의 담론도 그러한 시대성/역사성/이데올로기적 특성을 벗어나기 힘들것이다. 테리 이글턴은 이러한 문화를 둘러싼 담론(특히 포스트모던 문화주의, 문화상대주의)에 대한 비평을 전개 한다. 물론 이글턴 자신의 주장 또한 그러한 시대성, 역사성을 벗어날 수는 없다. 

하지만 그의 책을 읽으면서 가장 신선한 충격으로 다가온 것이 있다면, 오스카 와일드의 《사회주의에서의 인간의 영혼》 을 이야기 하는 부분에서 이다. 

 "분명 사회주의에서 노동은 사회적 존재의 토대로 남을 것이다. 그러나 물질적 생산의 큰 부분은 문화를 위해서 존재할 것이고, 자유로운 자기실현이라는 의미에서 문화는 노동으로 부터 귀중한 자율성을 획득하게 될 것이다. 한 사람이 경제적 잉여를 더 많이 창출할 수록, 그는 노역의 필요에서 더 많이 해방될 수 있다...경제적인 것에 대한 집착에서 벗어나려면 경제 혁명이 필수다. 자본주의에서 축적을 향한 충동은 끝이 없으므로, 오직 사회주의만이 이러한 편집광적 상황에서 빠져나오게 할 수 있다. 우리 근대인들은 시장논리로 인해 최소한 신석기 시대 조상들이 했던 만큼이나 힘들게 일한다. 기술은 착취를 폐지하는게 아니라 착취를 강화하는 식으로 사용되는 것이다.."

오스카 와일드가 생각했듯이, 노동이 기계화, 자동화, (인공)지능화 되어 생산성이 높아지고 타인의 노동을 착취할 필요 없이 모두가 풍요로운 환경에서 자유롭게 자기계발과 창조성을 발휘하는 사회는 불가능한가 이다. 럭셔리한 공산주의 사회를 꿈꾸는 것이 하릴 없는 공상, 이상주의적 꿈인가? 아니라고 본다. 유토피아가 아니다. 가능하다. 기술이 착취를 강화는 것이 아닌 착취를 폐지하는 구조를 만들면 되는 것 아닌가?

과거 아동노동이나 노예매매가 '자연스러운' 사회에서 아동노동이나 노예제를 폐지하자는 주장과 활동에 대해 당시의 옛 사람들은 그것은 허무맹랑하고도 사회적 질서를 무너뜨리는 불온한 반역적 행동이라 했다. 첨단 기술과 높은 생산력에 기반한 럭셔리한 공산주의 사회에의 꿈도 이와 크게 다르지 않으리라. 오직 현재 질서에만 의지해서 사는 사람들에게만 비현실적으로 보일 뿐이다.

. . . . .[도서 요약]. . . . .

테리 이글턴은『문화란 무엇인가』에서 먼저 "문화"와 "문명" 개념의 주요한 차이점들을 검토하며 문화론, 문화주의, 문화적 상대주의 등에 대한 자신의 비평적 담론을 펼친다. 

1. 문화와 문명

문화는 1)예술적이고 지적인 작업들 전체, 2) 정신적이고 지적인 발전 과정, 3)사람들이 살아가며 따르는 가치, 관습, 신념, 상징적 실천들, 4) 총체적 삶의 방식으로 정의, 분류될 수 있다. 허나 4가지의 분류가 그 구분선이 명확한건 아니다. 특히 '문명'이라는 개념과 대비되어 사용될 때에는 종종 그 기원적 의미를 넘어서 개념이 확장되거나 병용, 교차 혼용되기도 한다. 

문화와 문명은 원래 거의 동일한 의미였으나, 근대에 들어서 이 둘이 구별될 뿐 아니라 실제로는 반대말로도 여겨진다. 가령 문화와 문명의 차이를 나타내는 표현 ; 독인인들은 괴테 칸트 멘델스존을 가지고 있는 반면(독일적 문화 Kultur), 프랑스인들은 향수, 최고급 요리, 샤토뇌프 뒤 파프(포도주)를 보유하고 있다(프랑스적 문명 Civilization)... 대략적으로 말하자면, 우편함은 문명의 일부이고, 우편함을 무슨색으로 칠하느냐는 문화의 문제다.

한편 생활방식의 총체로서의 문화라는 개념에서 본다라면, 자본주의 산업화 이후에 잃어버린 과거의 이상향, 실락원에 대한 노스텔지어로써, 문명이 더 지독스럽게 물질적으로 변해갈수록 문화는 더 고귀하고 현실 초월적인 것으로 상정된다. 여기에서 문명은 계몽주의의 언어에 속한다면, 문화는 낭만주의적 개념으로 제시된다. 문명 비판으로서의 문화라는 개념이 대두된 것이다. 

2. 포스트모던 문화주의에 대한 비판

문화는 인간의 본성이고, 인간사를 오로지 문화로만 설명하는 문화주의; 다양성, 다원성, 상대성, 주변성에 대한 관심이 가져온 긍정적인 효과는 인정하지만, 한가지 중요한 사실을 누락한다. 바로 문화의 물적/경제적 조건에 대한 고려이다. 그 모든 좋은 '문화'의 뿌리에는 수많은 노동과 고통, 피와 잔인함이 박혀 있다는 사실이다. 예술가, 시인, 철학자, 성직자, 무당, 족장 등의 문화적 업적은 노동의 필요에서 해방되어야만 가능한, 즉 타인 노동의 과실에 기반한 것이다.  

3. '사회적 무의식'으로서의 문화

예술적이고 지적인 작업이라는 의미에서의 문화란 가장 정교한 인간의 "의식 행위" 인데, 사회적 무의식으로서의 문화라는 개념은 아이러니하다. 이는 마르크스가 말한 인간은 "유적존재 Species being" 라는 개념, 또는 쟈크 라캉의 대타자라 부르는 개념과 연관지어 생각해 볼 수 있다. 즉, 개체/개인으로서의 존재와 집단으로서의 인간(유적존재)의 차이. 개인/개체에게 언어, 문화는 본인의 의지와는 상관 없이 주어진 것, 당연한 것으로 받아들여지고 그 속에서 습관, 관습화 되어 자연스럽게, 무의식적으로, 또는 집단적 의식의 흐름에 맞추어 행동하게 된다. 그리고 문화라는 것은 정체되어 있는 것이 아니라 언제나 진행중이고 변화의 과정에 놓여 있다.

그러한 과정에서 나타나는 지역, 언어, 종족, 계급적 집단, 공동체들간의 차이가 서로 다른 문화를 만들어 나가는 것이다.  문화의 차이는 한편으로는 문화적 상대성으로 이해되는 한편, 또 다른 측면에서는 문화적 우월성/열등성의 위계질서를 세우고자 하는 시도들이 나타난다. 역사적으로 타 민족, 국가에 대한 식민지화속에서 문명/문화에 대한 우열 구분이라든가, 하나의 공동체, 국가내에서도 나타나는 고급/엘리트 문화, 대중문화, 저급문화, 소수문화, 서브컬쳐 등의 위계질서 세우기.

4. 문화의 사도, 오스카 와일드의 《사회주의에서의 인간의 영혼》 이 꿈꾸는 세상

노동이 기계화 되고, 노동으로 부터 해방되어 결과적으로 개인적 자기계발을 할 수 있게 되는 미래. 사회주의에서도 노동은 사회적 존재의 토대로 남을 것이다. 그러나 물질적 생산의 큰 부분은 문화를 위해서 존재할 것이고 자유로운 자기 실현이라는 의미에서 문화는 노동으로부터 자율성을 획득하게 될 것이다. 노동의 기계화/자동화/지능화에 따라 생산성을 높이고 경제적 잉여를 더 많이 창출하여 모든 인간이 자기 계발을 할 시간을 확보하고 창조적 잠재력을 발휘 할 수 있는 사회는 가능하다.

5. 문화의 물적 토대와 정치-경제적 문제에 대해 외면하지 마라.

책, 『방구석 미술관』, 조원재 지음

단편적이고 파편적인 이야기들로 많은 수의 작가와 작품을 이야기 하다보니 한 화가의 삶이나 작품을 둘러싼 전체적인 모습을 포착하기 힘든 부분이 있으나, 책의 제목과 의도 그대로 처음 미술을 접하는 사람들이 가볍고 재미있게 읽으면서 입문할 수 있는 책 인것 같다. 

책을 읽으면서 기존에 내가 몰랐던, 새롭게 다가왔던 내용 두가지를 정리해 본다. 

1. 에드바르트 뭉크의 대표작이라 할 수 있는 <절규> :
<절규>는 그림속 주인공(또는 작가 자신이) 내지르는 소리가 아니라 자연이 내지르는 비명에 놀란 작품속의 남자가 공포에 질려 귀를 막고 있는 상황이라는 것. 거대하게 다가오는 외부(자연, 죽음)의 폭력과 공포 맞딱드린 불안하고 미약한 존재의 몸부림.  

2. 뒤상의 예술 철학 :
① 관객을 단지 관찰자, 소비자가 아닌 예술활동의 공동 창조자로 인식한 점. "예술가만이 유일하게 창조 행위를 완성시키는 것은 아닙니다. 작품을 외부세계와 연결시켜주는 것은 관객이기 때문입니다. 관객은 작품이 지닌 심오한 특성을 해독하고 해석함으로써 창조적 프로세스에 고유한 공헌을 합니다" 

② 그리고 예술을 진지하고 무거운 그 무엇을 창조하기 위한 고통이나 노동이 아닌 마치 체스게임과 같은 놀이로 인식한 점. 그는 "살아 있는 동안 그림이나 조각 형태의 예술 작품들을 만드는데 시간을 보내기 보다는 차라리 내 인생 자체를 예술 작품으로 만들기 위해 노력 한 것"이 본인이 예술가로 살면서 가장 만족스러웠던 것이라 이야기 한다. 

. . . . .[도서 요약]. . . . .

1. 에드바르트 뭉크 : 회화란 눈으로 보이는 것을 단순히 재현하는 게 아닌 작가의 감정과 내면을 그림으로 표현한다는 표현주의의 선구자. 그는 자신의 삶으로 부터, 자신이 느끼는 죽음의 공포, 사랑의 고통, 존재의허무함 등의 감정을 회화로 표현함.

"나는 자신의 심장을 열고자 하는 열망에서 태어나지 않은 예술은 믿지 않는다. 모든 미술과 문학, 음악은 심장의 피로 만들어 져야 한다. 예술은 한 인간의 심혈이다." 

Memento Mori ; 작품 중 <병든 아이>는 자신의 누이의 죽음을 기억하며 그린 작품으로 병들어 죽어가면서도 오히려 비탄에 빠진 어머니를 따스한 미소로 위로하는 모습이 인상적이다. '엄마 너무 슬퍼하지 말아요. 부디 굳건하고 오래오래 행복하게 사세요. 그리고 저를 잊지 말아요' 라고 말하는 것 같다. 

2. 프리다 칼로 : 멕시코 혁명의 정치운동가이자 대표적인 국민화가 였던 디에고 리베라와 함께 멕시코를 대표하는 부부 화가. 프리다 칼로는 16세기 스페인의 무력 침략과 식민지화로 맥이 끊겼던 멕시코의 전통을 예술로 계승, 표현하고자 함. 한편 자신의 불행과 고통(교통사고, 유산, 실연, 남편인 디에고의 바람기 등)을 그림으로 표현하였다. <사고>, <떠 있는 침대>, <단지 몇 번 찔렀을 뿐>, <두명의 프리다> 등이 그러한 고통과 극복의 표현들이다. 

3. 에드가 드가 : 19세기 당대의 보통의 여성들; 세탁부, 카페의 여가수, 여자 서커스단원, 그리고 특히 발레리나를 그린 인상주의 화가. 특히나 화려한 무대 뒷편의 치열함과 은밀함(<무대 위 발레 리허설>, <발레 교실> 등의 작품), 그리고 당시 부르조아들의 추악함까지도(<실내(강간)> 이라는 작품).. 

"낮이나 밤이나 연습에 몰두하는 그녀, 그녀의 가치를 알아본 즐거움이 밀려오네, 아직 빈민가의 흔적을 떼버리지 못한 그녀.." - <어린 무용수> 중에서

그는 순간포착 사진 처럼 무용수가 춤을 추는 순간 등 움직이는 대상의 순간을 포착해서 그림을 그렸다. 이는 당시 발명된 사진의 영향도 한몫 했다라고 볼 수 있다.

4.빈센트 반 고흐 : 색을 향한 열정. 눈에 보이는 그대로가 아닌, 색을 통해 자연의 생기와 자신의 감정을 극적으로 표현하는 화가. 

"남프랑스에 머물면서 극단적인 느낌에 이르도록 색을 사용해보는 일이 내게는 얼마나 절실한 것인지 깨닫는다"

"노란 높음 음에 도달하기 위해서 나 스스로를 좀 속일 필요가 있었다"

고흐의 그림에 표현된 노랑색(<밤의 카페 테라스>, <프로방스의 건초더미>, <노란집>, <아를의 밤의 카페>, <해바라기> 등의 작품에 표현된)은 사실 독주 압생트에 중독되어 압생트에 들어 있는 사토닌 성분이 가져온 황시증의 부작용 때문이다. 

한편 앱생트에 포함된 또 다른 성분인 튜존은 뇌세포를 파괴하고 정신착란과 간질발작을 일으키는데 그로 인해 압생트 중독이었던 고흐의 몸과 마음을 파괴해 나갔다. 극심한 발작, 정신질환, 환상에 시달리며 우울과 고통에 시달리다 그는 결국 <까마귀가 있는 밀밭>으로 그는 사라져 갔다.

5. 구스타프 클림트 : 고전주의 미술에서 경력을 쌓고 젊어서 돈을 벌었으나, 1890년대 아르누보(Art Nouveau) 운동의 영향을 받아 오스트리아 빈에서 기존 미술로 부터 분리주의(Secession, 제체시온) 운동을 이끄며 시대의 반항아로 돌아선 오스트리아의 표현주의 화가. <누다 베리타스>, <철학>, <의학>, <법학> 등의 작품은 미술계의 기존 질서와 체계에 대한 반항이자 부조리함에 대한 비판이었다.

6. 에곤 실레 : 구스타프 클림트의 후배이자 제자. 클림트의 예술관과 프로이트의 정신분석 이론의 영향을 받아 성적 본능, 죽음의 공포 등의 주제로 직설적이며 특히 노골적으로 성적 표현을 그려낸 작품이 많다. 그러나 그가 스페인 독감으로 1918년 28살의 나이로 죽기 몇 년전에 그린 <포옹>, <죽음과 소녀> 등의 작품에서는 스타일이 변화하며 자전적 체험을 그려낸다.  

7. 폴 고갱 : 증권맨으로 직장생활을 하다 늦깍이로 전업 화가의 길로 뛰어든 사나이. 전에 없는 자신만의 회화를 찾기 위해 "야생과 원시성"을 찾아 나선 화가. 고갱의 "원시성과 야생"이라는 주제는 어찌 보면 당시 제국주의와 식민주의 시대의 산물이라 할 수 있다. 그의 인생 후반부를 타히티에서 보낸 그는 자신이 원하던 원시성을 찾았을까?

8. 에두아르 마네 : 인상주의라는 미래의 미술로 가는 문을 찾아 그림에 숨겨둔 화가라는 평가를 받는 사람. 어찌보면 그는 보수적이고 고전적인 화가였지만 그의 작품은 이후 세대의 화가들에게 새로운 문을 보여 주었다고 할 수 있다. 첫번째 <풀밭 위의 식사>라는 작품에서, 신화나 성서 역사적 영웅들의 이야기가 아닌 1860년대 풀밭 위에서 퇴폐적으로 노니는 부르주아들의 당시 생활상을 그려냈다. 즉, 시대와 함께 호흡하는 미술로의 문. 두번째로 <올랭피아> 에서 전통적인 원근법을 버리고 평평한 캔버스 위에 완전평면과 붓질과 색채의 단순함이라는 모더니즘 회화의 문. 마지막 세번째로 <폴리베르제르 바>에 숨겨둔 '다시점 多視點'의 문. 하나의 그림에 하나의 시점이 아닌 복수의 시점을 적용할 수 있다는 가능성. 이는 피카소로 대표되는 입체주의로 발전한다. 

9. 끌로드 모네 : 인상주의라는 미래로 가는 문을 연 남자. 빛의 포착; 햇빛의 변화로 시시각각 변하는 사물의 모습을 포착하여 원색과 점을 찍듯 짧고 빠른 터치로 표현한다. 모네는 당시 발명된 카메라와 광학의 원리를 그림에 도입한다. 우리는 사물을 보고 있는 것이 아니라 사물에 비친 빛을 보고 있는 것이다. 모네는 자연을 빛의 반사로 탄생한 무수한 색채 조각의 총합으로 보게 된다. 오직 빛 만으로 풍경, 인물, 사물 등 모든 대상을 정확하게 포착한다.

"장님이 막 눈을 뜨게 되었을때 바라볼 수 있는 장면을 그리고 싶다"

그러한 배경하에 탄생한 작품이 바로 <인상, 해돋이>.

10. 폴 세잔 : 매너리즘적 인상주의가 아닌 나만의 회화를 만들고 말겠다라는 집념. 세잔은 시시각각 변하는 찰나의 빛에 의해 반사된는 사물을 마치 사진찍듯 찰나의 순간에 담고자 하는 모네식 인상주의를 넘어서 무언가 사물의 본질을 견고하게 담아 내고자 한다. 

구성적 회화의 탄생; 세잔은 캔버스 안에 완벽한 조화와 균형을 이루기 위해 그림 속 사물간에 화음을 구성하게 된다. 그림속에 있는 모든 사물의 크기와 생김새, 그리고 위치와 간격까지 그 모든 요소를 치밀하게 고려하여 그림을 구성한다.

11. 파블로 피카소 & 앙리 마티스 : 아방가르드 선도자라는 타이틀을 건 피카소와 마티스간의 세기의 대결? 회화는 자연을 그대로 재현하는 것이 라는 명제를 깨 부순 두 화가. 마티스는 자연에서 보이는 색을 재현하는 기능에서 색채를 해방(야수파라는 명칭의 기원이 된 <모자를 쓴 여인> 이라는 작품)시켰다 라면, 피카소는 자연에서 보이는 형태를 재현하는 기능에서 형태를 해방(다시점과 쪼개기라는 입체주의의 시작을 알린 문제작 <아비뇽의 처녀들>) 시켰다. 

12. 마르크 샤갈 : 파리감성+유대감성=샤갈감성. 러시아 출신 유대인, 외부인, 경계인, 어디에도 속하지 않는 독자성. 자신의 뿌리를 그리는 것은 그의 숙명이었다.  <나와 마을>, <생일>, <밝은 적색의 유대인> 같은 초기 작품과 늙어서 그린 <성서 이야기> 시리즈의 작품은 자신의 뿌리를 찾고 그리는 작업이라 할 수 있다. 그의 작품은 당시 유행하던 야수주의 입체주의 오르피즘의 영향을 받긴 하였으나, 그러한 사조와 기법을 자신만의 독자성으로 흡수하여 자신의 고향과 뿌리를 그리는 것으로 승화되었다.

13. 바실리 칸딘스키 : 추상미술의 창시자. 칸딘스키는 눈에 보이는 외부세계를 소재로 그림을 그리는 것이 아닌, 마음속에서 일어나는 감정을 순수한 형태와 색만으로 마치 음악을 작곡하듯 회화를 그린다. 캔버스 위에 점, 선, 면 그리고 색이라는 악기로 자유로운 연주를 하듯 감정과 개념을 그려 낸다. 인간의 정신세계를 순하하게 표현할 수 있는 새로운 미술에의 추구. 한편 가브리엘레 뮌터와의 연애와 사랑에서는 찌질한 모습으로 남아 있는 남자.

14. 마르셀 뒤상 : 현대 미술의 창조자. 눈에 보이는 미술이라는 관념을 파괴하고 머리로 생각하는 미술, 개념미술이라는 혁명적 아이디어를 제시한 예술가. 팝아트(Pop Art)와 옵아트(Optical Art), 그리고 설치미술의 시대를 열어제낀 선구자. 

그는 관객은 단지 관찰자, 소비자가 아닌 예술활동의 공동 창조자로 인식하였다.

"예술가만이 유일하게 창조 행위를 완성시키는 것은 아닙니다. 작품을 외부세계와 연결시켜주는 것은 관객이기 때문입니다. 관객은 작품이 지닌 심오한 특성을 해독하고 해석함으로써 창조적 프로세스에 고유한 공헌을 합니다"

작품은 창조가 아닌 놀이가 된다. 심심풀이 땅콩 같은 미술, 그에게 미술은 마치 체스게임과 같은 놀이인 것이다.